Выставки

Выставка художественной и документальной фотографии «Угол зрения - 2022» объединила 14 костромских фотографов, профессиональных и любителей, имеющих богатый многолетний опыт работы в самых разных областях фотографической деятельности. В экспозиции более 100 цветных и черно-белых фотоснимков: работы Елены Рубинской, награждённой золотой медалью Всероссийского клубного конкурса фотографии «Берега», а также лауреатов этого конкурса фотохудожников Игоря Груздева и Валентина Завьялова, Евгения Трейаля , Леонида Маркеева, Михаила Графика, самобытных фотографов Николая Феофанова, Александра Яковлева, Ивана Ковалёва, Александра Семёнова, Алексея Лебедева, Ольги Касьяновой, Анны Олейниковой, мастера макросъёмки Олега Савицкого.
При всем разнообразии авторских подходов всех участников объединяет общая задача – привлечь внимание к профессиональной, качественной фотосъемке. Общаясь со зрителями языком фотографии, авторы вводят их в мир образов, событий, фактов, увиденных ими через объектив фотокамеры со своей позиции, своего угла зрения. Фотографы намеренно отказались от сопровождения своих работ названиями, тем самым давая возможность зрителю самому интерпретировать увиденное.
Темы фотографий очень разнообразны: это пейзажи и портреты, натюрморты и жанровые работы, абстрактные композиции. Различные жанры и стили раскрывают многогранные возможности современной фотографии и ее развития в ходе технического прогресса.

«На улице сияет снег,
И небо ангелов зовет.
А на листе моей бумаги
Рожденье белого и черного идет».
Владимир Смирнов


Новая экспозиция в зале «Сад Поэта» продолжает знакомить с рисунками из огромного графического наследия Владимира Смирнова. Здесь представлены работы, начиная с раннего периода творчества до 1997 года. Они объединены темами, к которым художник обращался на протяжении всей жизни - юность, семья, любовь, материнство. Часть рисунков, уже хорошо известных зрителю, составляют золотой фонд творчества мастера. Это вещи, созданные в конце 1960-х начале 1970- годов - «Юность», «Посвящение другу», Первая любовь», «Рождение чувств» и другие.
В экспозицию вошли и работы, которые экспонируются впервые. Это три рисунка из цикла «О любви» 1987 года - удивительный пластический танец влюбленных, откровенный и трогательный разговор о собственной любви. Жанровые сцены в листах «В мастерской» 1978 года, позволяют заглянуть в мастерскую, увидеть, как воплощаются пластические замыслы скульптора. Наконец, сцены из жизни, где автор прогуливается по городу с близким другом, художником Алексеем Мухиным, или шагает по простору заснеженной Волги к своему Храму - мастерской: «Среди поля и белого снега все же я иду к самому себе, я что-то меняю в себе, что-то предполагаю сделать. И этот путь, эта дорога к мастерской - это событие для меня каждый день…» 25.11.1993 (Из дневника В. Смирнова).
Всякий раз, прикасаясь к наследию Владимира Смирнова, листая страницы его жизни, творчества, мы открываем его Мир - «бесконечный как звезды и небо», в центре которого Человек с его красотой, чувствами, переживаниями, судьбой.

Выставка живописных работ из наследия Павла Беляева в зале «Сад Поэта» из собрания галереи и частных коллекций приурочена к выходу, подготовленного галереей альбома о творчестве художника. В экспозиции около 30 работ, созданных, начиная с середины 1980-х годов до 2014 года. Это попытка дать некоторое представление о творческих периодах художника, завершением каждого из которых были выставки: персональная выставка 1999 года, «В поле покоя поверхности» (2007), «Возле белого» (2011) и «Оттенки дня» (2015).
Название «Встреча» дала выставке одна из работ художника. Это и «встреча» в едином пространстве работ разных периодов и из разных коллекций. И еще одна, далеко не первая встреча двух больших мастеров Павла Беляева и Владимира Смирнова во многом близких друг другу по искренности, тонкости восприятия мира, глубине проникновения в образ, эстетике.
Павел Беляев – художник удивительно цельный, глубокий, обладающий развитой интуицией, редким даром некоего мистического чувствования мироздания. В основе его пластического мышления – стремление к максимальному обобщению, вырастающему до символа. В своей полуабстрактной живописи художник, опираясь на натурные впечатления, на природные формы и цвета, создает свое неповторимое эстетическое пространство, превращая живописную поверхность во вместилище сложных понятий и тончайших ощущений. Его работы притягивают, вовлекают в пространство умиротворения, изысканных гармоний.
Образы Павла Беляева, тонкого, только им видимого мира, магически притягательны и не поддаются словесным интерпретациям, поскольку угаданы интуицией, и постичь их можно, пожалуй, лишь путем сосредоточенного созерцания, установления с ними собственных духовных контактов.
Галерея приносит благодарность коллекционерам, любезно предоставившим свои работы для экспозиции – К. Головкиной, З. Загитовой, Е. Морозовой, А. Олейниковой, Е. Суворовой.

https://vk.com/kosgallery?z=video-18603012_456239095%2F4f95cb87a7084fca9a%2Fpl_wall_-18603012

В экспозиции выставки «Размышления над формой» костромских художников Владислава Грачева и Анатолия Жукова  - абстрактные и полуабстрактные произведения из коллекции галереи и частных собраний. Большинство работ зритель увидит впервые!

Первая совместная выставка Владислава Грачева и Анатолия Жукова, которая стала заметным событием в культурной жизни города, прошла в далеком 1997 году. Сейчас Владислава Михайловича уже нет в живых, а Анатолий Викторович в свои 85 лет продолжает создавать абстрактные композиции.

Владислав Грачев и Анатолий Жуков – художники, которые отстаивали свой путь в искусстве. Их произведения уникальны на общем фоне костромской художественной традиции. Подхватив идеи, высказанные в начале ХХ века представителями русского авангарда, они обращались к разработке пластических возможностей цвета, линии, фактуры.

Творческий путь художников во многом связан с беспредметным искусством. Еще во время обучения в Костромском художественном училище с 1954 по 1958 годы Грачев приходит к мысли, что концепция искусства как имитации отжила свой век.
«Работая с натурой, я постепенно пришел к пониманию того, что она не в состоянии ответить на все вопросы искусства» - Владислав Грачев.

Эстетические идеалы Грачева оказали серьезное влияние на творчество Жукова. В ходе творческого взаимодействия авторов появились их совместные произведения, некоторые из них можно будет увидеть на выставке.
«Мы друг друга знаем уже пятьдесят лет. На этюды вместе ходили. Но каждый писал свое. А вот семь лет назад созрело решение создать одну работу вместе. С этого и пошло. Я – график, он – живописец. Моя линия соединяется с его мазком» - Владислав Грачев (из интервью 2001 г.)

______________________________
Владислав Грачев (1937 - 2015). Живописец, график. В 1959 г. окончил Костромское художественное училище. Участник выставок с 1974 г. Принимал участие в международных выставках современной графики, биеннале современного искусства. Работы находятся в собраниях Костромского музея – заповедника, Муниципальной художественной галереи г. Костромы, Калининградской художественной галереи, частных коллекциях.

Анатолий Жуков родился в 1937 году в Москве. В 1967 г. окончил Московский заочный народный университет искусств им. Н.К. Крупской. Участник выставок с 1986 года. Работы находятся в собраниях Костромского музея – заповедника, Муниципальной художественной галереи г. Костромы, частных коллекциях.

https://cloud.mail.ru/stock/mp8RfekwgT4riju1VVmfAvSb

 

Выставка живописных работ Сергея Петровича Козлова погружает зрителя в многоцветный, жизнерадостный и трепетный мир цветов. Все картины написаны с натуры в селе Минском Костромского района, они очень живые, яркие, солнечные, гармоничные. Это дань любви к своей Родине и восхищение её неповторимой красотой. Именно способность передать неповторимое очарование момента роднит Сергея Козлова с импрессионистами, к которым он себя причислял. Эту направленность подтверждают дробные многоцветные мазки, трепетность, ощущение воздуха. Особенности восприятия мира профессионального музыканта, объединяющего в своём сознании гармонию звука и красок, придают его работам особую эмоциональность, тонкую лиричность.
«Импровизация в джазе, импрессионизм в живописи – вот мир, в котором живёт художник! И эти две составные части для него неразделимы.»
(Искусствовед Л.А. Михайленко)
Сведения об авторе:
1950 – родился в Костроме
1975 – окончил Костромское музыкальное училище
1984 – методист научно-методического центра Управления культуры
1986-1991 – директор Дома народного творчества
С 2005 – председатель правления Союза независимых художников
2020 – умер в Костроме

На выставке будут представлены стикер комбинации (sticker combo) из авторских наклеек, которые Дима собирает уже в течение нескольких лет. «Идея создать выставку авторских наклеек пришла мне во время активных обменов наклейками с многочисленными авторами нашей необъятной страны и не только» - Дмитрий Пинкин.
Посетители выставки познакомятся с таким направлением уличного искусства, как стикер-арт. Стикер-арт или стикер-бомбинг — одно из направлений уличного искусства, где изображение или сообщение публично отображается с помощью наклеек. Содержание таких наклеек может быть разнообразным. Популярными считаются такие виды, как граффити, лого, персонажи, слоганы, лозунги и реплики.
Обычно наклейки можно увидеть на дорожных знаках, фонарных столбах, дверях, стенах, шлагбаумах. В наши дни это направление уличного искусства очень популярно. Проходят выставки, фестивали, которые превращаются в яркие события, объединяют художников из разных уголков страны и мира. Одним из известных международных фестивалей в нашей стране является фестиваль авторских наклеек (ФАН) в Петербурге, который впервые прошел в 2012 г. Дмитрий Пинкин принимает участие в нем с самого начала. «Именно на фестах о тебе и твоих работах узнают другие участники стикер сообщества. Это очень заряжает и придает сил, мотивирует продолжать заниматься этим делом!».
На выставке «Круговорот наклеек» будут представлены авторские наклейки художников из 22 городов России (Калининград, Вологда, Екатеринбург, Нижний Новгород, Казань, Ярославль, Санкт-Петербург, Москва и др.) и зарубежных авторов (Беларусь, Германия, Швеция, США). Проект поддержали и местные художники – стикеры костромских авторов также можно будет увидеть в экспозиции.

Выставка задумана как встреча между художниками разных поколений. В экспозиции будут представлены произведения из коллекции Художественной галереи, работы костромских художников, заявивших о себе еще в середине 80-х годов и работающих сегодня, а также молодых авторов. Это попытка выстроить диалог между поколениями и временами.

Анастасия Беспалова: «Культура — уникальный инструмент для консервации общего и частного опыта под ледяной коркой времени. Сохраняя его в артефактах искусства, она оставляет нам возможность его перепроживания и коммуникации между поколениями даже за пределами срока человеческой жизни.

Что предыдущие поколения оставляют нам в наследство? Можем ли мы выбирать — присвоить его или отказаться? Существует ли коллективная память? Если да — какие есть способы обратиться к ней на индивидуальном уровне?»

При помощи языка визуального искусства каждый сможет поразмышлять о цикличности истории, о природе памяти и забвения, о наследовании и переработке опыта.

Ирина Юрьевна Соглачаева родилась в Костроме в 1957 г. Училась в Ивановском художественном училище на отделении промышленной графики и рекламы (1972-1976). В 1978 году работала в художественно-производственных мастерских при Союзе художников, а в 1982 году стала членом организации. С 1971 года участник областных, республиканских, всесоюзных и международных выставок. С 1990-х годов активно работает в книжной графике С 2003 г. работала художественным редактором в фирме «Костромаиздат». С 2014 г. по сегодняшний день - главный художник Костромской муниципальной художественной галереи.
Лауреат международного конкурса «Плакат Олимпиада-80», лауреат областной премии Ленинского комсомола в области литературы, искусства, журналистики и архитектуры (1984). Неоднократно награждена грамотами, дипломами, знаками отличия и благодарственными письмами от областных и городских администраций. В 2002 году награждена Знаком Министерства культуры Российской Федерации «За достижения в культуре».

Виталий Беспятый окончил живописный факультет Московского художественного института им. В.И. Сурикова, мастерскую народного художника РФ Павла Никонова. С начала 2000-х он активно участвует в арт-процессе – не только в России, но и за рубежом; не раз становился лауреатом конкурсов среди молодых авторов. Костромской зритель мог познакомиться с творчеством художника в 2018 году, когда в Художественной галерее прошла его персональная выставка «Предчувствия».
Большинство работ нынешнего проекта – это пейзажи. В них не всегда прочитывается сюжет, размыты очертания объектов, иногда и вовсе может возникнуть ощущение пустого пространства. Однако все его художественные образы базируются на впечатлениях от реальности.
Основой выставки «Направи сердце мое» стали зарисовки и наброски (рисунки, пастели, акварели), которые были созданы в многочисленных поездках Виталия по городам России. За достаточно короткий промежуток времени художнику удалось посетить около 10 городов - от Курска до Южно-Сахалинска.
«Это быстрое перемещение по большой территории, когда не успеваешь вовлечься в особенности той или иной местности, стало отличительной стороной впечатлений, наблюдений и размышлений в моих работах. Такая смена обстановки дает возможность увидеть и сопоставить различия, и общие моменты, не привязываясь к частностям» - Виталий Беспятый.

посмотреть выставку можно здесь 

https://vk.com/al_feed.php?q=%23kosgallery&section=search&z=video-18603012_456239099%2F6b4e7f6c7bf970eea4%2Fpl_post_-18603012_2622

 

 

Выставка «Игра в крестики-нолики, или. Опыт создания коллекции за один год» отражает одно из ярких явлений художественной жизни России 2020 года: деятельность закрытой группы в «Фейсбуке» под названием «Шар и крест». Галерист Максим Боксер в период самоизоляции создал виртуальную площадку, на которой художники и коллекционеры могли общаться, поддерживать друг друга, продавая свои произведения по символическим ценам. Проект оказался на редкость успешным и перерос те цели и задачи, которые ставили перед собой организаторы. Он не только дал возможность художникам выжить в трудных условиях пандемии и длительного карантина, открыл новые имена авторов, позволил обогатить уже существовавшие и начать формировать новые, неожиданные и интересные частные собрания, но и стал своеобразным изобразительным документом локдауна, показывая, чем жили, что чувствовали люди в этот непростой период.

Страница 2 из 22